A la "RUMBA con SANDVNGA": mayo 2014

viernes, 16 de mayo de 2014

TITO NIEVES - EN EL ESTUDIO DE CERCA Y MUY PERSONAL (2013)

1. Dos
2. Eres Linda
3. Ojala
4. Este Amor De Los Dos (Asi Te Olvide)
5. Por Eso Estoy Contigo
6. Tus Promesas De Amor
7. Mas Que Tu Amigo

MAMADOU DIABATÉ, BOBBY SINGH & JEFF LANG ''DJAN DJAN'' (MALI-INDIA-AUSTRALIA,2010)

MAMADOU DIABATÉ, BOBBY SINGH & JEFF LANG
''DJAN DJAN''

(MALI-INDIA-AUSTRALIA,2010)

Jeff Lang cantante, compositor y guitarrista es mundialmente conocido por ser un artista
prolífico que ha rechazado cerrarse estilísticamente y mezclando diversos géneros musicales
como el Folk, el Rock o el Blues ha creado un sonido propio en constante evolución.
El duro camino que ha recorrido durante la última década ha dado los frutos deseados:
la aclamación generalizada de unos fans devotos, una carrera discográfica impecable,
un premio Aria, además de participar en los festivales más prestigiosos del mundo y ser
deseado por gente de la talla de Jeff Beck, Eric Clapton o Bob Dylan.

Por lo tanto no es casualidad que el título de su nuevo Álbum, “Chimeraudor”, se refiera a
la vida de un trovador viajero citando a Chimera; una criatura fantástica de la mitología
griega, de pies ligeros y cabeza de León, con el cuerpo de una serpiente y el aliento de fuego.

“Chimeraudor” es un viaje sónico espectral con muchas caras. Y Jeff Lang como un voraz
explorador musical, ha absorbido y transformado las ricas influencias de sus colaboraciones
con músicos de todo el mundo, desde Mali a Mumbai.

Los ecos del Blues del desierto africano reverberan en su guitarra slide y nos llevan hacia
ambientes sureños, mientras que su rock nos llevan a paisajes cercanos a Neil Young y los
Crazy Horse.

Lang ha pasado gran parte de los últimos años recorriendo todos los rincones del mundo,
el Fuji Rock y Asagari Jam Festival (Japón), Safico World Music Festival (La Reunión),
Festival de verano de Qebec y Ottawa Blues Festival en Canadá. Fue el primer artista con una
residencia en el Festival Internacional de Guitarra de Adelaide y recientemente visitó China.

Chimeradour capta el ardiente dinamismo de sus apariciones en directo con sus virtuosos acompañantes: Grant Cummerford al bajo y McKenna Danny en la batería.
El álbum fue grabado por el legendario productor Mark Opitz, conocido por su trabajo en un
sinfín de clásicos de la música como pueden ser: INXS, AC / DC, The Angels and Divinils.
A partir de la ardiente temática de sus letras Lang esboza pequeñas imágenes emocionales que
se van retorciendo en su guitarra. El venerado pianista Don Walker aporta su maestría a este
álbum de paisajes ardientes.

Track Listing:

1.Mamalangsingh

2.The Great Keppel

3.Adventure

4.Sandjibah

5.Djan Djan

6.Niger Blues

7.She Said She Felt Broken

8.Synaly Joh

9.Spirit of Melbourne

10.We Brought You Here

martes, 13 de mayo de 2014

BIRD AND DIZ – MUTUAL STUDIOS & CARNEGIE HALL NY 1947

Imágenes de estos dos genios.

Temas / Tracks :

On The Sunny Side Of The Street

How Deep Is The Ocean

Tiger Rag

A Night In Tunisia

Groovin High

Dizzy Atmosphere

Confirmation

Ko Ko .

Músicos / Personnel :

Temas 1 a 3

Charlie Parker – Saxo Alto

“Dizzy” Gillespie – Trompeta

John LaPorta – Clarinete

Lennie Tristano – Piano

Billy Bauer – Guitarra

Ray Brown – Bajo

Max Roach – Batería .

Temas 4 a 8

Charlie Parker – Saxo Alto

“Dizzy” Gillespie – Trompeta

John Lewis – Piano

Al McKibbon – Bajo

Joe Harris – Batería .

Datos de las grabaciónes :

Temas 1 a 3

Barry Ulanov and His All-Star Metronome Jazzmen

Mutual Studios, New York , NY, USA .

WOR radio broadcast

20 de Septiembre de 1947 .

Temas 4 a 8

Dizzy Gillespie Quintet

Carnegie Hall, New York, USA

29 de Septiembre de 1947

Link de descarga:

http://depositfiles.org/files/hieb51w2z

(Password : zonadejazz)

A la "RUMBA con SANDVNGA": PARAPHERNALIA QUARTET – ZUGZWANG

A la "RUMBA con SANDVNGA": PARAPHERNALIA QUARTET – ZUGZWANG: El sello discográfico albaceteño Clamshell Records sigue editando propuestas de muy alta calidad procedentes de formaciones nacio...

PARAPHERNALIA QUARTET – ZUGZWANG

El sello discográfico albaceteño Clamshell Records sigue editando propuestas de muy alta calidad procedentes de formaciones nacionales. Este es el caso del grupo gallegoParaphernalia que con su primera grabación, Zugzwang, se dan a conocer a nivel discográfico. El nombre de la formación es un homenaje al saxofonista Wayne Shorter, y en concreto a la composición que compuso para el disco de Miles Davis, Miles In The Sky, una de esas grabaciones que no pueden dejar de estar en toda buena discoteca de jazz que se precie.

El grupo gallego tomó como punto de partida para su música las composiciones más conocidas de Shorter, pero al mismo tiempo fue dando forma a otro material de autoría de los componentes de la formación, en concreto de Fernando Varela, Pablo Pérez y de Israel Arranz. Son estas composiciones en su casi totalidad las que conformanZugzwang, y acompañadas para la ocasión de la conocida pieza de Shorter, “Juju”, y con la cual se inicia el compacto.

La sonoridad de esta inusual formación (vibráfono, guitarra, contrabajo y batería) nos retrotrae sin lugar a dudas a los grupos formados por el vibrafonista Gary Burton, grupo en donde militaron excelentes guitarristas. La sonoridad diferente y atípica liderada por el vibráfono y la guitarra son el motor creativo de la propuesta de Paraphernalia.

Israel Arranz , vibráfono.

Lo verdaderamente interesante de Zugzwang es sin duda alguna la concepción y fluidez con la que se desarrollan los temas, en especial por la combinación sonora del vibráfono y la guitarra, lo que permite conseguir sonoridades diáfanas y limpias como en la composición “Juju”; de degustar los diversos desarrollos que se llevan a cabo en“Nigeria”; de la rítmica composición en “N-634”, o de la interesante y por momentos experimental “De seis semanas”. Hay que precisar así mismo que la melodía es un componente esencial en el desarrollo de muchos de los temas tal y como es posible percibir en “Airam, Airun”, en donde la sutileza de la composición es rematada a lo largo de la misma por un extraordinario solo de contrabajo a cargo de Pablo Pérez.

Fernando Varela , guitarra .

Pablo Pérez , contrabajo.

Para finalizar la grabación se interpreta el tema que da título al compacto y que en su justa medida nos demuestra las posibilidades colectivas del grupo, con unas interpretaciones en donde la formación es la gran protagonista y que demuestra la excelente interacción entre todos sus componentes.

Fernando Lamas , batería .

Un atrayente disco que nos permite descubrir a un muy interesante grupo y del cual esperamos nuevas noticias sobre sus progresos musicales.

Ejemplos de Audio / Audio Samples :

Temas / Tracks :

01. Juju
02. Nigeria
03. Airam. Airun
04. Para Yukhnevich
05. Tozuda
06. N-634
07. De seis semanas
08. Ça Va?
09. Zugzwang .

Grabado en el estudio Control Z de Santiago de Compostela el 30 y 31 de diciembre de 2012.

Músicos / Personnel :

Israel Arranz – Vibráfono
Fernando Varela – Guitarra
Pablo Pérez – Contrabajo
Fernando Lamas – Batería .

Sello / Label :

Clamshell Records , 2014 .

Grabado en el estudio Control Z de Santiago de Compostela el 30 y 31 de diciembre de 2012.

Que es la música?

En el siguiente artículo, exploraremos los significados de la música a través del tiempo y las culturas. La música ha sido compañera del ser humano desde los comienzos de su historia. Se especula que los comienzos de su historia tiene relación con la imitación de los sonidos de la naturaleza, como el canto de las aves y también de la naturaleza interna del ser humano, por ejemplo el ritmo natural de los latidos del corazón; las últimas teorías concernientes a los comienzos del arte le dan muchísima importancia a este último punto (formas percibidas internamente), refiriéndose a estas influencias como "entópicas", y relacionándolas fuertemente con el quehacer de los chamanes y sus experiencias internas.

Por increíble que parezca, los últimos hallazgos confirman que los conceptos de la armonía (varías notas tocadas a la vez) ya se encontraban presentes en la música prehistórica (por ejemplo la música encontrada en escritura cuneiforme con data de más de 4.000 años en la ciudad da Ur, en Mesopotamia la incorporaba). Durante la prehistoria la música formaba parte de celebraciones y rituales, lo que no difiere mucho de los usos que se le da hoy en día. De hecho, nuestro sistema nervioso es prácticamente el mismo, por lo que aquello que emociona al ser humano es de naturaleza universal.

Las teorías de los antiguos filósofos griegos concuerdan con las especulaciones de los eruditos en la época medieval, definiendo a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal (melodías) y vertical (armonía). Este orden o estructura que deben tener un grupo de sonidos para ser llamados música esta por ejemplo presente en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo a la última como "música congelada". La mayoría coincide en el aspecto de la estructura, pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable. Para comprender el desarrollo de esta maravillosa forma de arte, exploraremos su evolución en occidente, tanto en su tradición clásica o docta y sus formas populares.

A medida que la cultura se fue desarrollando, algunas formas musicales fueron siendo dominantes, para terminar caracterizando la música de una época determinada. Es asi como de las formas prehistóricas de la música llegamos a la música medieval, a partir del año 476 (caída del imperio romano) hasta el año 1450 (el Renacimiento). La forma más popular en esta época son los famosos cantos gregorianos, solos monofónicos interpretados tradicionalmente por monjes, que incluso gozan de gran popularidad como música cristiana hasta el día de hoy por sus cautivantes y repetitivas melodías que inspiran un aire místico.

Con la llegada del Renacimiento, entre 1450 y el año 1600, se hace común una instrumentación más compleja y se introduce el concepto del bajo como base. Uno de los instrumentos destacados de la época es la viola da gamba (viola de piernas), que siguió siendo utilizada hasta el barroco; este tipo de viola no es como la perteneciente a la familia de los violines (cuyo nombre en realidad es viola da braccio o de brazo), sino que es algo así como una mezcla entre una guitarra (tiene trastes o separaciones) y un violonchelo. Este instrumento se fabricaba en varios tamaños, siendo el bajo el más popular, inmortalizado en la actualidad con la película "Todas las Mañanas del Mundo", sobre el uso de este instrumento en las cortes de Francia.

Luego, entre el año 1600 y 1750 llegamos al barroco, en donde se refina la estructura y sobretodo los "adornos" interpretativos de la música. Es en esta era en donde se populariza y se afianza la opera como forma musical. El órgano a tubos y el clavecín eran norma en los teclados de la época, y las antiguas violas da gamba fueron reemplazadas por los instrumentos de la familia del violín, con un sonido más potente, apto para salones y presentaciones de mayor envergadura. Los músicos destacados son J.S.Bach (como no mencionar su Arte de la Fuga, las Partitas para Violín solo y la Pasión Según San Mateo), George Friederich Händel, Antonio Vivaldi (popular hasta hoy con sus cuatro estaciones) y Claudio Monteverdi.

Avanzando por la línea del tiempo llegamos al período clásico, y en este punto conviene detenernos y aclarar un importante concepto: ¿Qué es la música clásica? Estrictamente, corresponde a la música docta compuesta entre 1730 y 1820, pero el uso común y también aceptado de este nombre es para toda la música docta del barroco en adelante, incluso hasta nuestros días con las composiciones de músicos doctos contemporáneos (por ejemplo John Williams, que lo podemos reconocer en su inolvidable sound track para la Guerra de Las Galaxias, realmente espectacular). En el período clásico (1730-1820) se establecieron muchas convenciones en cuanto e estilo y forma, y en cuanto a los instrumentos utilizados, destaca el favorecimiento del piano (cuyo nombre completo es "piano forte") frente al clavecín. Los músicos infaltables de esta época son Ludwig van Beethoven (en su primera etapa de composiciones) y Wolfgang Amadeus Mozart. Además destacan Joseph Haydn y Muzio Clementi.

Durante el período romántico, entre 1815 y 1910, se definieron con precisión los cánones y técnicas de interpretación, y se formalizaron instituciones para la enseñanza y diseminación de la música por Europa. Para los compositores del período, lo importante era emplear la emoción, los sentimientos y la intuición para expresar las verdades más profundas. Entre los compositores tenemos a Franz Schubert, a Rossini, al increíble pianista Franz Liszt, a Felix Mendelssohn, a Chopin y a Berlioz. Toda una estirpe de impresionante música. Además están Robert Schumann, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, y para los amantes del violín tenemos al mayor prodigio de todos los tiempos, a Niccolo Paganini; tal era la habilidad de este violinista, que se pensaba estaba poseído por fuerzas sobrehumanas.

La música moderna, entre 1905 y 1985, es una consecuencia de la crisis y el rompimiento de los valores tradicionales en las artes, tendencia global caracterizada por la fe en el progreso y la ciencia; la idea es básicamente romper los moldes antiguos y comenzar algo nuevo. La verdad es que la música clásica o docta de este punto en adelante no es tan accesible como la de épocas anteriores, por su aire abstracto y más intelectual. Nombres que podrían sonar al auditor actual son los de Arnold Schoenberg, Igor Stravinsky (cuya Consagración de la Primavera es bastante popular), Alan Berg y Bela Bartók..

Por último, en lo que es la música docta llegamos a lo que se conoce como música contemporánea, del siglo XX a la actualidad. Como mencionamos, el público general se inclina por los períodos barroco al romántico, por ser más accesibles y "agradables" a la audición. Afortunadamente, como en realidad la buena música nunca pasa de moda podremos disfrutar siempre de recreaciones de las composiciones de estos tiempos pasados.

Ahora, delinearemos a grandes rasgos el género no docto o popular, aunque la distinción entre ambos no es fácil y la verdad es que la división es más bien con fines de clasificación y estudio, pero la música es una. Nuevamente debemos hacer una distinción, ya que por música popular nos referimos al subgénero del "pop" y también a todos los estilos musicales de tipo más accesible al público en general.

En cuanto al subgénero del pop, aunque siempre ha estado presente en todas las culturas, es en la época más reciente donde se habla de la música pop propiamente tal, masificada por los avances en los medios de comunicación y la reciente globalización. El pop tiene sus raíces en la música folk (estilo moderno con influencias folclóricas tradicionales, como en el caso de Bob Dylan) y la cultura negra; esto sumando a la moda o las tendencias de una época, traducido en melodías simples y pegajosas nos dan como resultado el pop. Destacan para el género en orden cronológico Frank Sinatra, Los Beatles, Carole King, Neil Diamond, Steve Wonder, los Beach Boys, los BeeGees, Billy Joel, Elton John, los Eagles, Michael Jackson, Madonna (por supuesto), Abba y The Police. Los fenómenos más recientes son las Spice girls, los New Kids on the Block, Backstreet Boys, y Britney Spears, todo un icono para las adolescentes.

Un género de música popular que ha tenido importantes influencias en el pop, el jazz y el rock, son los Blues, cuyas raíces se encuentran en los ritmos africanos y las melodías de los "Spirituals" Afro-americanos. No podemos dejar de mencionar a Robert johnson (icono de los Delta Blues, originarios de Misisipi) y a B.B.King, ambos dotados guitarristas. Para los más fanáticos se recomienda la película "Encrucijada" o en inglés "Crossroads", con la música de Johnson y las interpretaciones del guitarrista contemporáneo Steve Vai.

Por otro lado tenemos al jazz, también de raíces africano americanas, considerado la primera forma original de arte desarrollada en los Estados Unidos. Sus características son es uso de notas sincopadas, el "swing" y la improvisación. Puedes encontrar un artículo especialmente dedicado a esta forma en nuestro sitio.

El rock and roll, que aprovechó aportes de todos los géneros mencionados anteriormente fue una verdadera revolución en su época, y cuyos ritmos y variaciones actuales son conocidos simplemente como rock. Se debate sobre la primera grabación "pura" de este género, pero en sus inicio es indiscutible que destacan Bill Halley y sus cometas, el legendario Elvis Presley, Chuck Berry y Little Richard.

Uno de los géneros populares más actuales corresponde a la música electrónica, que tiene sus inicios ligados a el desarrollo del sintetizador, un instrumento que permite la generación de sonidos electrónicos, brindando alternativas más allá de los instrumentos tradicionales. En la década de 1970, músicos como Jean Michel Jarre y Kitaro sentaron las báses para la electrónica de hoy en día, y otros subgéneros como el New Age, por ejemplo. Destaca esta forma orientada al baile en sus versiones como el Tecno, Trance y House.

En la actualidad la pasión por la música en el ser humano ha sido avivada aún más por medio de una serie de innovaciones tecnológicas. Sin mencionar a los dispositivos de reproducción, la tecnología de almacenamiento ha sufrido una increíble revolución con el desarrollo de la computación y en particular el formato Mp3, que se ha masificado permitiendo a los individuos guardar en computadoras y dispositivos especializados una gran cantidad de obras musicales. Nunca en la historia fue tan fácilmente accesible el arte musical de todos los tiempos para una persona; los efectos de este fenómeno están aún por verse, y es mucho lo que se especula (para más información, visitar qué es mp3, y cómo bajar música gratis).

Como hemos podido apreciar en este recorrido por el apasionante mundo de la música, esta siempre ha estado con nosotros y lo seguirá estando, ya que es parte inseparable de lo que somos como seres humanos. Además hemos visto que por un lado es atemporal, siempre vigente y válida, y además una representación fidedigna de épocas y sentimientos particulares de la historia.

Orígenes

Algunos pueblos modernos de América Latina son esencialmente africanos, como los garifuna de América Central, y su música refleja su aislamiento de la influencia europea. Sin embargo, en general, los esclavos africanos llegaron al continente americano modificando sus tradiciones musicales, adaptando los estilos rítmicos africanos a las canciones europeas o viceversa.La llegada de los españoles y su música marca el inicio de la música latinoamericana. En las épocas inmediatamente anteriores había existido en España y Portugal una coexistencia de diversos grupos étnicos, incluyendo árabes, moros delNorte de África, gitanos, judíos y cristianos, cada cual con sus propias manifestaciones musicales, que contribuyeron a la evolución primigenia de la música latina. Muchos instrumentos musicales de los moros fueron adoptados en España, por ejemplo, y el estilo de canto nasal norafricano y su frecuente uso de la improvisación también fueron recogidos por los ibéricos. De la Europa Continental, España adoptó la tradición francesa de los trovadores, la cual en el siglo XVI fue parte importante de la cultura española. De esta herencia se mantuvo el formato de composición lírica de la décima, la cual se mantiene como parte fundamental de la música latinoamericana, estando presente en los corridos, boleros, y vallenatos.

El término música latinoamericana

El término música latinoamericana, o su apócope música latina, se emplea popularmente para englobar diferentes ritmos y músicas de América Latina y delCaribe.

Este término se empezó a utilizar partir de los años 1950 en los Estados Unidos para referirse a los ritmos musicales típicos de America Latina, buscando una diferenciación entre la los estilos de origen afroamericano de los afrolatinoamericanos. En este sentido, se considera que hacen parte de la música latina, un gran número de géneros: merengue, bachata, salsa, rumba, bossa nova, la cumbia, el flamenco, el tango, el fado, la milonga, el rock latino; desde la música norteña deMéxico a la sofisticada habanera de Cuba, desde las sinfonías de Heitor Villa-Lobos a los sencillos sonidos de la quena. El único elemento en común que tienen estas músicas es el uso de los idiomas latinos, predominantemente el español y el portugués de Brasil, aunque en este último país se prefiere el termino música de América Latina.

Ambigüedad de la expresión

Es un neologismo(edad medio moderna del cual se manifiesta una expresión de arte aborigen del siglo XVII-XIX, de origen angloamericano que está en directa relación con el uso del termino Latino en los Estados Unidos, y que hace creer que se trata de un solo género musical que engloba a todos los países al sur de los Estados Unidos y que incluiría a la vez tanto músicas indígenas, músicas criollas, músicas afroamericanas, así como música moderna y pop rockinterpretadapor cantantes originarios de estos países, pero también, aunque vagamente, el concepto de música latina también se hace extensivo a la música de España y ocasionalmente a la de Italia. Si se emplea en términos estrictos, abarcara a la música de los países latinos de Europa, y en una interpretación forzada a la de los países de África y Asia ex-colonias de España, Portugal y Francia

Para algunos, la expresión “música latina” designa por igual a las músicas andinas (que son en su mayoría de origen indígena y la los géneros caribeños que estrictamente hablando no son latinos sino que tiene un gran componente africano, tal como la música jamaiquina, la música de Trinidad (Calypso/soca), y la música creole de Haití, Guadalupe o de la Martinica.

Para los medios de comunicación y la mayoría del publico, la “música latina” es esencialmente la interpretada por los cantantes famosos en español, aunque también puede incluir otros géneros, así pues es normal encontrar en las tiendas de música que se ofrezca como música latina cualquier genero sin mayor diferenciación.

El termino música latinoamericana es usado en medios musicales europeos para referirse a la Música clásica que fue compuesta en países de América Latinadurante el periodo colonial (s. XVII-XIX)

[editar]Características y Géneros

En su forma más generalizada, la música latina se corresponde a los bailes y músicas populares originarios de América latina o que simplemente son interpretadas en español.

Aceptando la definición popular, se puede decir que existen diversos estilos de música latina en el continente americano, En los cuales predomina en diferente grado elementos musicales europeos, africanos o indígenas. En el pasado, varios autores habían sugerido posiciones extremas, como que la música latina está privada de la influencia africana, o por el contrario, que es puramente africana y carece de elementos indígenas y europeos. Hoy en día, está generalmente aceptado que los ritmos latinos son sincréticos. Específicamente, las formas españolas de composición de canciones, los ritmos africanos y la armonía europea son partes importantes de la música tropical latina, así como de los géneros más modernos como el rock, el heavy metal, el punk, el hip hop, el jazz, el reggae y el R&B.

El batuque, influencia africana delsamba, practicado en Brasil durante elsiglo XIX, en una pintura de Johann Moritz Rugendas.

La décima, forma de componer canciones de origen español en donde hay diez líneas de ocho sílabas cada una, fue la base de muchos estilos de canciones latinoamericanas. La influencia africana es, asimismo, central en los ritmos latinos, y es la base de la rumba cubana, la bomba y la plena de Puerto Rico, la cumbia colombiana, el samba brasileña, la marimbaecuatoriana y de varios estilos peruanos como el festejo, el landó, el panalivio, el socabón, el son de los diablos o el toro mata. En Perú hay regiones donde la influencia musical africana se entremezcla con la gitana. Ejemplos de esto se hallan por todo el norte y centro del país en ritmos tales como la zamacueca, la marinera y la resbalosa. Uno de los mestizajes musicales más raros, la influencia afrogitana se nutre de la cultura andina, dando origen a ritmos como el tondero, lacumanana y el vals peruano. En Argentina, la influencia africana tuvo muchisimo que ver en la formación de ritmos tales como: la Chacarera, el Malambo, la Payada, el Tango, la Milonga (campera y urbana); y por supuesto, el Candombeargentino y sus variantes (el afroporteño, el afrolitoraleño, etc.).

Otros elementos musicales africanos son más prevalentes en la música religiosa de tradiciones sincréticas y multifacéticas, como el candomblé brasileño y la santería dominicana y cubana.

La síncopa, técnica musical en donde se prolonga el sonido de una nota de un compás, es otra característica de la música latinoamericana. El énfasis africano en el ritmo también se heredó, y se expresa mediante la primacía dada a los instrumentos de percusión (que en conjunto se conocen como "percusión latina"). El estilo de llamada y respuesta es común en África, y también está presente en la música de América Latina.